本文目录

1. 抽象怎么画出来
2. 如何欣赏儿童画
3. 抽象画是怎样的存在方式，为什么我觉得我看不懂，而且觉得艺术家精心创作的抽象画就像是随意的涂鸦，还有就是如何欣赏它
4. 初学油画者怎么画抽象画呢

抽象怎么画出来

抽象，顾名思义就是把具象的结构、色彩、空间打成碎片而取其精髓，用主观意识去重新组织画面，用作者熟悉的表现手法去构图.夸张.渲染，突出作者的创作理念和个性主题。抽象又有"冷抽象(图一，四)"和"热抽象(图二，三)"之分，也有界限不太明确的"混合抽"。优秀的抽象艺术作品会把更多的想像空间留给观众，传播美感的同时也留下启发。

如何欣赏儿童画

儿童对世界的认知不够，想象的很多东西与现实有差别，但也要从画的结构、内容等去看儿童画，要观察整幅画的想表达的意思，从色彩搭配、人物画风、作品主题等方面赏析。

儿童在作画时想象的成分大于技法、认知，通过其作品能看出想表达的意思，是否是乱涂乱画首先要看画中是否有明确的主题，如果没有，便不能说成是完整的画，只能说是练习，作者还需要继续进行学习。

一幅画有多种元素，如果每种元素的风格都不相同，会影响整幅画的意境，儿童画虽然在技法和写实方面没有过多要求，但需要有一定的创造力、想象力、以及审美能力（学会构图），有了这些基础，画出来的画即使天马行空，也是协调的，是值得欣赏的艺术。

画画对色彩搭配是有讲究的，有些人天生对色彩敏感，随意搭配便能让人觉得舒服，是天生的画者，但有些人无论怎么用功都难以达到效果。儿童画里的色彩气氛相对轻松、活跃，这与儿童的天真童趣有关，在欣赏儿童画时不要一味苛求色调，主要看色彩效果是否造成某个元素突兀或者多余，是否违背整幅画的主题等。很多不常用的色彩搭配常出现在儿童画里，用得好能加分，用不好会降低整幅画的层次，主要看个人审美了。

抽象画是怎样的存在方式，为什么我觉得我看不懂，而且觉得艺术家精心创作的抽象画就像是随意的涂鸦，还有就是如何欣赏它

抽象艺术主要分成两大类，一是几何抽象〔或称冷的抽象〕，以蒙德里安(Mondrian)为代表；另一为抒情抽象〔或称热的抽象〕，以康丁斯基〔Kandinsky〕为代表。如果你有留意，会发现在你身边有许多中高产阶层都会对抽象艺术有一种莫名的好感，时不时就会提到这两位艺术家的名字，而你却在欣赏或者听闻这些画时表现的一头雾水。今天，就要给大家敲黑板划重点了，以下几位抽象艺术的代表人物大家可要牢牢记性，他们的作品特点与创作理念有助于你了解学习抽象艺术的构成哦~

蒙德里安

荷兰画家蒙德里安是几何抽象画派的先驱，与德士堡等组织“风格派”艺术运动。他提出自己的艺术是“新造型主义”，认为艺术应根本脱离自然的外在形式，以表现抽象精神为目的，追求人与神统一的绝对境界，亦即今日我们熟知的“纯粹抽象”。

蒙德里安早年画过写实的人物和风景，后来逐渐把树木的形态简化成水平与垂直线的纯粹抽象构成，从内省的深刻观感与洞察里，创造普遍的现象秩序与均衡之美。他崇拜直线美，主张使用最基本的绘画元素(直线、直角、三原色)组成抽象画面，他认为透过直角可以静观万物内部的安宁。

在生命的晚年蒙德里安移居美国纽约市，在这五光十色的大都会，蒙德里安感受到没有战事纷扰的世界，在纽约创作的作品比过去更为明亮、更为抽像，反映了纽约的现代经验。他融合了过去不同时期作品风格加以延伸，色彩、线条呈现轻快的律动，画面的音乐性在此达到至高境界。蒙德里安对之后抽象艺术的发展有非常大影响。

康定斯基

绘画由具象、变形，演变为纯粹的抽象，艺术主体从反映客观对象逐渐演化为表现主观意志。正是在这样背景下，俄罗斯的康定斯基发表了具有抽象主义宣言性质的理论著作《论艺术中的精神》。在这本书中，康定斯基第一次系统地阐述了抽象绘画理论。他一开始就宣称，时代的变化要求艺术形式进行相应的革新，20世纪的艺术已经不可能复原古希腊艺术，否则作品将毫无生气，因为时代在变化。

他在书的卷首第一行就说：“任何时代的艺术品都是自己时代的孩子”。他认为，只有纯粹的艺术家，力图在自己的作品中只传导内在的和本质的东西，才能找到与这一时代精神相适应的艺术形式。在康定斯基看来，具象是“物质的真实”，而抽象则是“精神的真实”,完全等同于音乐中的真实。而物质只不过是蒙在精神表象上的一层迷雾。康定斯基在书中进一步指出：“艺术家必须对思想感情有所传达，掌握外形并非目的，而要代之以符合内涵精神的形象。”

在这样一个精神领域中，康定斯基将抽象绘画中的色彩运用类比音乐中的音符，在他看来,色彩同样具有音响和旋律效果，甚至具有交响乐般的震撼力量。用色彩来展现音乐中的心灵震荡的效果，并直接达到精神深处，是那些只将眼光盯着客观世界的艺术家们所不具备的能力。

这是一种直接倾听和再现“内在声音”的能力。抽象绘画是超越于古典艺术之上的只表现“内在声音”的艺术新形式。在包豪斯期间，他进一步撰写了《形式问题》、《具体艺术》、《点、线、面》等有关抽象艺术的论文。有趣的是，他在莫斯科期间，曾有一位名叫马列维奇的学生听了他的课，受到康氏抽象绘画理论的影响，创立了“至上主义”。

马列维奇

1912年俄国艺术家马列维奇创立的“至上主义”，彻底抛弃了绘画的语义性及描述性成份，也抛弃了画面对于三度空间的呈现。那些平面的几何形，不具有丝毫的体积感和深度感。在马列维奇的作品中，那些几何构图自由而奔放，在画面上形成一种旋转的或离心的动感。对马列维奇来说，一个方形本身就具有一种独特的表现性个性，一切具有自身表现性特点的要素统统要排除在绘画之外，构图的全部重点是不带任何感情因素的直角系统。

马列维奇倾向于选择最简单的形式，如方块。他不断探索着形体、色彩与空间的关系，并断言：“如果想成为真正的画家，那么画家必须抛弃主题与物象。”以这句箴言而付诸实践的至上主义代表作《黑色正方形》，成为了现代艺术的关键之作。这是一幅绝对抽象的油画作品。马列维奇自己视此为艺术中纯粹创造的第一步。这是一幅对客观世界进行否定的至上主义作品，从这幅绘画开始，马列维奇展开了构筑“无物象的世界”。

在马列维奇的绘画中，真正做到“写实主义”，就是绘画要只为自身而存在。也就是说，创作仅仅存在于绘画本身，其所包含的造型并非借自于大自然，而是源于绘画的质与量。所有的至上主义艺术的基本造型都源自于方形，长方形是方形的延伸，圆形是方形的自转，十字形是方形的垂直于水平交叉。

克利

人们都说，喜欢克利容易，读懂克利很难。他被誉为二十世纪变化最多、最难以理解和才华横溢的杰出艺术家之一。

“没有专制，只有自由的呼吸。”这是克利在论及康定斯基的抽象艺术时说过的一句话，克利在表现主义、立体主义、构成主义、未来主义画家的作品中汲取营养，但始终与各种主义和风格若即若离。他或许不属于任何一派，始终以清醒的自知保持独立。

这个既浪漫又神秘的人。他把绘画或者创作活动，看作是不可思议的体验，在这个体验过程中得到启发的时刻，内心的幻象和对外部世界的体验因此结合起来。

不管怎么看克利所使用的艺术语言，或具象形象或抽象符号，都是来自他对客观事物的感受，是从客观形态的认识中提炼加工而成的。在创作过程中，画家自身各种素质起了作用，他企图运用创造的语言表现自己的思想情感。

威廉·德库宁

威廉·德·库宁，简称德·库宁，荷兰籍美国画家，抽象表现主义的灵魂人物之一，新行动画派的大师之一。在他创作生涯中，人体成为其绘画创作的主体，加以风景及书写的符号来发展他的抽象世界。他将欧洲立体主义、超现实主义与表现主义的风格融于自己大而有力的绘画行为之中，把激进艺术的理念融化在自己的艺术世界里。即使是极端的绘画作品也具有艺术美感，试图唤醒人们心中一种与所有生命事物的内在关联感。

但是严格来讲，德库宁不是“纯粹抽象”画家，即使在他一些最抽象的风景画中，我们也能感受到“自然”的痕迹。但他也许是美国“抽象表现主义”画家中最名副其实的一位。在他晚年的作品中流线性笔触终于替代了自然痕迹。

马克·罗思科

马克·罗思科的作品通常是几个空白的长方形画在涂了色的背景上，边缘并不明确，因而它们的空间位置也是模棱两可的。这种空间感也是我们在波洛克的作品中所熟悉的，找不到有深度的空间，而这种很浅的空间忽远忽近，不可捉摸。色彩之间的相互关系因为长方形空间而起作用，造成一种温和而又有节奏的脉动感，不清晰的交界处隐隐地藏住很多耐人寻味的东西。

罗斯科认为自己不是抽象画家，他更注重精神的表达。他说：“我对色彩与形式的关系以及其他的关系并没有兴趣……我唯一感兴趣的是表达人的基本情绪，悲剧的、狂喜的、毁灭的等等。”他要在西方的传统文化中找到今天西方文明的根。他认为现代人的内心体验没有离开从古至今的传统，因此要表现精神的内涵需要追溯到希腊的文化传统中去，尤其是希腊文明中的悲剧意识，这是最深刻的西方文化之源。

在他画出成熟的抽象画之前，他对希腊、罗马艺术投注了很多的注意。从希腊传统中他吸收了希腊悲剧精神中的人与自然的冲突，个人与群体的冲突的矛盾状态。在他看来这些冲突概括了人的生存的基本情形。由于他追求表达的清晰，追求去掉一切与观念无关的东西，他最后发展出了一种全黑的画面，在黑色中他找到了和他的悲剧意识完全吻合的形式，而且是不可再简的形式。

波洛克

波洛克生于怀俄明州，是20世纪美国抽象绘画的奠基人之一。他的作品被视为二战后新美国绘画的象征，也是美国艺术脱离欧洲文化以后最具新美国方式的代表。

波洛克的创作过程与众不同，他一改过去艺术家在画布上的描描画画的传统，他把自己的作品题材解释为绘画自身的行动。他的创作并没有开始的草图，而只是由一系列即兴的行动完成作品。他把棍子或笔尖浸入盛着通常是珐琅和铝颜料的罐子中，然后把颜色滴到或甩到平放于地面的画布上，凭着直觉和经验从画布四面八方随意在画布上泼洒颜料，任其在画布上滴流，创造出纵横交错的抽象线条效果。

波洛克有时还用石块、沙子、铁钉和碎玻璃掺和颜料在画布上摩擦。他摒弃了画家常用的绘画工具，绘画时完全摆脱受制于手腕、肘和肩的传统模式，行动即兴、随意，这些留在画布上纵横交错的颜料组成的图案具有激动人心的活力，记录了他作画时直接的身体运动，于是观众可以分享到创造这些色迹的经验。这种方法被称为行动绘画或抽象表现主义。

波洛克最辉煌的时刻开始于1950年，单是这一年他就创作了《秋天的韵律》、《第32号》和《第1号》三幅作品。但波洛克并不以一位成功者自居，反传统创作的精神激发了他的灵感，但自我封闭的个性加上对社会、对文化的不满，将他一次次推向痛苦的深渊。他一生穷困潦倒，终日以酒为伴。1956年，在一场车祸中，44岁的波洛克走完了短暂的一生。

弗朗兹·克兰

弗朗兹·克兰的作品也是如波洛克一样属于动态性的。40年代，他热衷于线描，特别习惯于画小幅的黑白速写和细节，他在细节中研究单一的母题或空间关系。1949年的一天，他用幻灯机放大一些速写，这启发他发展了自己特有的风格：在白色画布上，一些大尺度的黑色线条，除了线条，别无其他，更没有具象的东西。

画面中的空白与强有力的黑色笔触一以生动，甚至某些飞白看起来更有意味。人们看他的作品，也能理解“行动绘画”的含义，笔的运行在作品中显得十分重要，徐、疾、通、滞、进、退、转、折，这一点与中国的书法产生了暗合。不管他有没有受到东方书法的影响，他的画在“计白当黑”的原则上与东方的书法是一致的。而且在削尽冗繁，只取黑白两色，以少胜多，达到更有深度的美--这样的美学趣味与东方的书法艺术十分接近。

克兰最初的大规模的黑白抽象画作于1950年，特点是笔触大而粗犷，但由控制，还有强有力的建筑式结构。他的结构对60年代构成主义雕塑家产生了重大影响。他在50年代后期开始尝试使用色彩，在他去世前的那一年(1962)，色彩才开始在他的作品中起重要作用，但结果不一定可喜，似乎色彩在他那由构图表达的意念中无关紧要，而只是一种装饰罢了。

巴内特·纽曼

纽曼是抽象表现主义画派中色域绘画的代表人物，也是“极简艺术”的先驱。他的画通常是在大片色块上画一两根垂直的线条，这种线条犹如拉链，将平坦的底子分割为相互呼应的色块。纽曼的这种画风始于1948年。当时，他创作了一幅由深红底子和红色线条所构成的作品，并深受启发，“我意识到这里很有些名堂，使我可以有一个新的开始。”

色块的大小、明暗、色彩，线条的位置、粗细、肌理，可以形成无数种可能性。纽曼在这无数种可能性中费尽心机，有时，花在推敲线条位置上的时间，竟会长达好几个星期。那看似简单的画面其实非常复杂，体现了他的哲学观念。在《新美学前言》中，纽曼这样写道：“除空间以外，最喧嚷的是什么？……我的绘画既不关心空间的摆布，也不关心形象，而是关心时代的感觉……”

赛·托姆布雷

托姆布雷以绘画与书写的角度提供了一种对于现代艺术理解的方式。托姆布雷的绘画，其实只是一种表征，其内置的气质实质上是来自书写的。即，书写才是一切表征所来源的内容。

托姆布雷把文字书写归入图形圈画，他不像中国古人将对文本承载内容的体悟，融入书写的线条和文字的结体。在托姆布雷的圈画中，他所动用的文字，只能被辨认出是文字，却没有具体意义。它们清晰晓畅，在视觉上没有任何模棱两可的难以识读感，却没有实质意义。

托姆布雷的书写是一种对意识的极度降解，书写和绘画的“有意识”同时被降到最低，以服从于直觉。于是，在人的行为进行过程中，在人的意识的最低处，写作和绘画这两种行为汇合起来——这个汇合点，却处于直觉的最高处。这类形式的降解，甚至使当年宣称的“无意识行为”的20世纪超现实主义的“自动写作”和“梦的图像”，成了其自身的反动，成了极有意识的清醒活动。

托姆布雷的绘画对文字（或者文学）的乡愁，不是深入的，而类似表面摩擦。当他反复书写某位古代诗人的名字或者某行古老诗句时，他在呼唤，这种呼唤在松散的书写和松散的摩擦声中单调重复，好像是对某个极大极空的文化观念的呼唤。摩擦声传至各处的回响交至为不稳定隆隆杂响，肃穆而衰败，好像圈画出的墓文。

初学油画者怎么画抽象画呢

初学油画者如果要画抽象画，那你的思想境界包括艺术构思得独特，至少，你要有很高的艺术修养，你对自己的抽象意识有一种画面解释感。通过所谓的造型或色彩营造来表达出你难以语言表达的感觉。所以，思想是你最需要的。

好了，文章到此结束，希望可以帮助到大家。

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