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墨江双胞节抹的是什么
墨江双胞节抹的是茶油。因为茶油是云南特产，而墨江双胞节是云南文化的一部分，因此抹茶油是一种传统的风俗习惯。，茶油含有丰富的营养和抗氧化物质，有助于维护心血管健康和增强免疫力，也是云南的一种特色美食，深受人们喜爱。
形容画家画的很好的句段
指尖的笔触缓缓地盛开，在视野中凝固，清澈的风在眼神中歌唱,在迷幻的惆怅之中分裂，几多汹涌的思绪，瞬间化成了纸上的传奇，曾经出现在记忆中的景象，是绚烂的空气，游走在心间，慢慢地，初具规模，谁的影子，还在梦里徘徊，终于定格了。
行云在天，流水在地。为了寻找更广泛的创作题库，画家几乎踏遍了中国的所有名山大川。他曾在松花江边寻觅高粱，澜沧江边亲近水牛；也曾在内蒙古大草原追逐马群，舟山群岛的礁石上迎接朝阳。在他的笔下，那清绿纯净的溪滩，那花香扑鼻的山涧，江边的翠竹，岭上的紫藤，似乎都是他笔下喷涌的山泉，时时会升腾起童年生活的亲切印记。
他画的奔马，笔墨淋漓潇洒，带着时代的风雷驰骋在画坛上，给当时的中国画坛带来了清新、有力、刚劲的气息。如今徐氏故乡——江苏宜兴市新建的“宜兴徐悲鸿纪念馆”里，陈列了徐悲鸿先生在各个不同历史时期的书画作品，他画的马，无论奔马、立马、走马、饮马、群马，都赋予了充沛的生命力。
这幅《云阳山下春意浓》，还有一个显著的特点，陈励忠在中国山水画的现代性探索上又迈出新的一步，使山水画创作更符合时代精神。与此前陈励忠众多山水画绝然不同的是，这幅画突出表现了人的改天换地的作用，画面中出现了新兴城市、摩天大楼、高架大桥和飞驰的动车。
他的画中常有不中不西，不洋不土，来古不今，没有规矩，不按常理，将传统和“野性”糅合在一起。然而，就是这样一种不定格，使他的画有着一种特有的艺术感。尤其是他熟悉农村、根植于农村，更使他的画与家乡、山村有着一种深厚的笃情。他的画也大多以家乡那山那水那花那草为原形，画中风味独特，比如他笔下的菊花，与许多画家不同，他的菊花中透出一股野味，把你带入溪水潺潺、野菊盛开的山间。
他的中国画乱中有序，拙中见奇，他画笔下的“并蒂”、“春晓”、“秋远”，一花一鸟都倾注着他自己独有的思想感情，一幅幅画上都画出了一种情调，表露出一种情思，引发了观者的共鸣，他的《望秋》获中国扇面书画艺术展金奖，《映红》获水墨状态――现代书法美术家作品邀请展金奖，九十年代连续三年在新加坡“中国书法美术家作品邀请展”上获金奖。
《潇湘风雨》中竹子，枝干挺拔遒劲，墨虽淡却筋节有力。而竹叶秃笔横扫，依风势倾斜。风雨来临，夸张地几呈平行之势，画家有力地表现了疾风狂吹的情形，此时双雀飞来，竹旁顽石阔笔涂写，与竹浑然一体，更加突出了竹竿迎风屹立的不屈，并给予有力的支持，显示了两种力量的强烈的对抗性。
缕缕墨香萦绕在心灵深处，绚丽的色彩渲染在宣纸表面，一枚精致的印章映入眼帘，水杯中的水折射出了细微描绘的身影……国画作品，高悬在墙面，这便是我喜爱的兴趣。翻开我国的历史长卷，著名的国画家多似繁星，杰出作品美如彩虹。我知道的有唐代吴道子的“天王送子图”；北宋张择端的“清明上河图”，还有近代张大千的“山水”；齐白石的“虾”；徐悲鸿的“马”；我们故乡诸暨枫桥的著名画家陈洪绶的“人物画”、王冕的“梅花图”也是赫赫有名的。
中国花鸟画上独辟蹊径的创新和前无古人的创作，令张万琪获得了巨大的成功。他的画作频频冲击国家级美术展览，也屡屡为各级美术馆收藏，他的画风渐渐成为中国花鸟画中一股个性极为明显、风格极为明媚的新风。事实上，这些年来，张万琪老师在中国花鸟画上的创新和发展起到了实际意义上的启迪和引领作用。
徐悲鸿在绘画创作上，提倡“尽精微，致广大”；他对中国画，主张“古法之佳者守之，垂绝者继之，不佳者改之，未足者增之，西方绘画之可采者融之”。他的画能融古今中外技法于一炉而又有其独特风格。他不但擅长中国画，素描、油画都有很高的造诣和成就。人物注重写实，传达精神；所画花鸟、山水、走兽，简练明快，富有生气，尤以画马驰名中外。
细细品味画家的这幅巨型国画，一个突出的感觉是它的“气韵生动”。气韵生动是画面表现出来的“生命的节奏”或“有节奏的生命”的视觉形象，就是一幅画中各形式要素间有机联系形成的“一气贯通”、“浑然天成”的感觉。请看，画面中每一种景物都在动，云蒸霞蔚是动，旭日东升是动，山势挺拔是动，城市拔节是动，瀑布飞流是动，鸟语花香是动，但所有这些的“动”都在帮衬高架上动车的“动”。
张老师运用一支行云流水的画笔，于水墨流动间，在传统的中国画里创造性地有机融入了西方现代艺术的视觉元素，向世人显示了一个中国传统美学的意境；他大笔挥洒色彩，使他的水彩画又充满了中国画的笔墨韵味。画家又一次以自己特有的姿态，向世人证明了自己的理念——以中国画的笔墨技巧画水彩画，用水彩画的肌理技法充实中国画笔墨。这是一种信念，是一种创新，也代表了水彩水墨的水乳交融，两相依存，更是张万琪身上显示出的一种独特的“野性”，形成自己的“张氏野派”。
春天，中国的春天。画家，尤其是花鸟画家们也随万物一起“复苏”。此次讲学归来，他为自己的创作注入了新的元素。他将西洋艺术与中国画传统有机结合，精妙绝伦地融会贯通；他也不再拘泥于仅仅描绘折枝花卉，而是自觉地向浩瀚的抽象形式借鉴，使自己的中国花鸟画表现增强了气势，扩大了意象的延伸。自此，张万琪画的传统中国花鸟画，明显地带上了抽象意味。
徐悲鸿取法西方古典写实绘画，力倡用"写实主义"改造中国画，强调"尽精微、致辞广大"、"惟妙惟肖"、"直接师法造化"，特别是他的"素描是一切造型艺术的基础"论，在画史上产生了划时代的效果，宣布了从顾恺之到任伯年一千多年间勾红填色形式的大体结束和一代新形式国画的诞生。他的写实主张和从苏联引进的"社会主义现实主义"并为一体，成为本世纪最大的主流画派。
浓墨，勾勒；淡墨，烘托；轻彩，渲染。顺着一级一级从云端莫名延伸出来的石阶，缓缓地向上。周边是郁郁葱葱的不知名的小树，蜿蜒着身子，向有光的地方蹿着。山涧树叶掩映的地方，隐隐地透出古老而质朴的屋脚，还有袅袅炊烟，悠闲地从叶儿的间隙里散开，散开??远处，是黛色的长眉一样的山峦，云吞噬了它的脚，它却欣然任自己消失在梦似的烟云中。流水上的小桥，在雨后显出了清亮的灵动。如针的细雨缝补着大地的外套，却不经意地撩起了江面晶莹的欢笑。孤船里的人，只是静静地望着，望着水青色绸缎似的江面，还是那远方的山呢？这是纸上的画，也是我心中的景。
你觉得李谷一的书法水平怎么样如何评价她的书法
在评价李谷一字之前，要先搞清楚书法的等级。目前有中国书法家协会及中央美术学院两个权威机构，等级都设为九级。但绝大多数成人是不参加书法考级的，只好从社会约定俗成的习俗来分类，从书法及名人题字两大类再分等级。
1、专业书法家:大量临习古人字帖，融汇贯通，推陈出新形成个人面目及风格。
2、准书法家:临习古人字帖，能入帖，也能出帖，但无甚创新（如田某人）。
3、名人书法:之所以称之为名人书法，是因为名人也认认真真临过帖，题的字是有根基的（如学柳楷的叶某人）。
4、名人题字:从来没有坚持练过前人字帖，凭个人习惯及悟性写字，题的字没有出处，但笔画，结构还可以，比普通人稍好点（如贾某人范某等）。
5、名人题字:从来没有练过前人字帖，也不欣赏好的书法，认为做自己最好。写出的字稀松平常（如很多无练书法的歌星影星一样）。
6、名人题字:从来没有练过前人字帖，认为是电脑时代，写字无用。观念不积极，观察力及悟性又不太高，写出的字不是鬼画符就是鸡扒粪，比常人差很多。
大至上先分六等级。从李谷一写的字来看，古人字帖是没有认真练过的。从笔画，笔法、结构、章法布局比较随意，随性，不够工整美观，也欠缺力道。基本上可以确认为第五级常人水平或者略低点。
其实评价名人题字也具有积极意义的，让那些煞风景，污染眼睛的题字尽量少出现，五A风景区，题个破字在上头，有审美洁癖者如刺鲠在喉，让人难受，破坏社会和谐（就如昨晚有个朋友很生气，说一个网红，30多万粉丝，写一手江湖字水平比他还低，一脸不服气）。
从九十年代开始很多名人通过题字，收割大量利益的现象希望能得到改善，弘扬社会正气。
有不同意见的可以点评讨论。谢谢！
杨凝式《韭花帖》的好，是怎么体现出来的
杨凝式的《韭花帖》，历来备受推崇，至于是章法上的开创性，气韵上的潇散性，还是因为其“疯”带来的传奇性，都还不足以显示他在书法上的高。
之所以说他“下笔便到乌丝栏”，是说他学到了《兰亭》的真谛。
要想说杨凝式的《韭花帖》，那就需要说《兰亭序》。
学《兰亭序》，后代人学的很多，但是容易学俗。原因之一就是在用笔上。
此处敲黑板：古人写字，下笔即调锋，即使是点画上显示顺笔，也是要下笔有顿挫，然后走笔。切笔处更是下笔、调锋、走笔，转折处，收笔处统统是要调锋换面。
古人讲“笔贵绕左”，“趯笔则点画皆有筋骨”，就是在说在用笔中处处取逆势。这也是“筋骨”所在。
后人容易学俗，就是因为在外形上下功夫多。比如好多尖锋入笔的地方，直接任笔为体，笔说了算，而不是人说了算。
或者慢吞吞平抹，笔锋一个面走到黑，外形极像，精神全无，此为典型的墨猪。或者抛去用笔，任情任性，满纸燥气，这是典型的江湖。
《兰亭序》就是妙在处处调锋，却又貌似不经意。
说回杨凝式，他的《韭花帖》恰恰把《兰亭》的用笔学到了，在不燥不厉中写出了兰亭的风范。所谓《兰亭》的风范，也绝不是因为复制《兰亭》的字形，那不是书家要干的事。
他的用笔比《兰亭》更清楚明白，这当然不是说他比《兰亭》更高妙，而是说他展现出来的用笔更明显。
真正想要学习《兰亭》，先研究《韭花帖》反而更容易上手。简单说，《韭花帖》是《兰亭序》的笔法钥匙。
所以，杨凝式的《韭花帖》被黄庭坚称为“下笔便到乌丝栏”，意思在这里，他的高妙也在这里。
关于是怎么体现出来的到此分享完毕，希望能帮助到您。